学编曲第一步要干嘛？

编曲最重要的我认为不是音色（音源），不是设备（声卡，电脑，音箱），也不是高深的（Jazz）乐理，不是宿主软件（DAW）......因为在古典时期，巴赫，莫扎特，贝多芬他们只是靠一支笔，一张纸，就把乐谱给写下来了。最重要的是你脑子里有货，有音乐的思路和构造！其他这些便利的现代工具只不过是你把脑子中的音乐，转化为实际听的音乐的桥梁罢了。

如何实现脑子里有货呢？在之前的回答中我有提到过，人脑的运作方式和电脑很像，那就是输入与输出。所有你想要学习的创作编曲知识，在他人的作品中都已经存在了。所以，对于编曲者来说，我认为第一步，同样也是贯穿我们整个创作生涯的一步，那就是大量的输入，去听，去分析，去模仿，去再创造他人优秀的作品。在大量的反复积累后，最终谱写出属于自己的音乐。

最近我在教一名学生编曲的时候（他有一定的乐器和用自带loop做小段子的基础，当然，如果你没有这个基础也没所谓），第一周我给他布置的作业就是去分析他想要创作领域的曲子。我希望他能够在对待每一个作品的时候，真正的站在一个编曲者的角度去听。你越是用某一个方法去分析作品，那么你的耳朵对于这种听的方式就会越灵敏，并且会潜意识的去抓住你所听的曲子的每一个细节。

尤其是本身就会一门乐器的同学，会很自然的把注意力放在它们会的那门乐器上面，而真正的创作者，即使他有一项擅长的乐器。长期的训练下来，也会很自然的把注意力放在整个宏观的层面上去分析，以及微观的所有轨道的配器或者混音细节上。

征得这名学生同意，我把他第一节课的分析以及我给的一些反馈截图上来，给大家做一个案例。当然，每个老师都会有自己的教学方式，这是我认为学编曲第一步最重要的内容，希望大家各抒己见，求同存异。

曲目是这一首：Polyphia 的 Bittersweet

在这样的分析之后，其实我就会很清楚，学生的水平到底在哪里。我会知道哪一些乐器会被经常忽略，甚至是听不到，那么这个乐器大概率是他的薄弱项；我也会知道哪一些配器的编排学生听到，但是会觉得无法复刻出类似的模式，那么就可以加强对此配器的单独训练；学生在分析的时候也会有很多的疑惑，例如结构上的，音色上的，混音上的等等，这些都会让我更全面的了解他。并且有针对性的进行提升，还有安排之后的分析作业。其实这比直接上来就给他填鸭式的灌输各种乐理，DAW的技术，配器套路等等强得多。

我在之前的回答中提到过编曲看似非常庞杂，但只要你抓住核心思想，其他的都是支线任务罢了。如果你脑子里有想法，那么你就会很直接的明白，达成你最终要编写出来的音乐你还差什么，那你就一个一个的去解决这些支线任务就好了。（这个是一个典型的：“起始点———GAP————目标”的思维方式，我们需要做的就是解决GAP，但前提是必须得清楚我们的目标还有起始点，才能更清晰的看到GAP）

如果大家感兴趣，也可以按照这个方式来自己分析喜欢的作品，试试看自己可以听到多少的细节，以及这些编曲的内容是否可以复刻下来，如果不行，试试去找找GAP在哪？

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自学编曲（音乐创作）（音乐人从写曲，编曲，编辑，到录音，混音，母带之路）

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